how to Zeichnen ohne Skizze?

Zeichnen ohne Skizze ist nicht unbedingt eine Technik, aber eine ziemlich coole Methode, ein Bild anzufangen.

Es eignet sich vor allem für Künstler die

- sehr gerne rumschmieren

- nicht mega ordentlich sind

- nicht linen können oder wollen

- immer viel zu unübersichtliche Skizzen haben, die man einfach nicht linen kann

- nicht durchgeplante Ideen haben und nach dem "wie-sich's-eben-ergibt-Prinzip" malen

(also solche wie mich xD)

eigentlich kann das jeder mal ausprobieren. Am Anfang, als ich mein erstes Bild so angefangen hab, hab ich mich selbst förmlich wegen meinen Unskills ausgelacht, aber wenn man das öfters mal probiert, hat man irgendwann den Dreh raus.

Diese Technik eignet sich am besten dann, wenn man etwas designen will. Also wenn man eine ungefähre Idee hat, was man zeichnen möchte, aber doch nicht wirklich eine klare Vorstellung besitzt und einfach mal rumprobieren möchte.

Ich habe oftmals beobachten können, dass viele Künstler und vor allem Concept artists - die ich ja schließlich vergöttere - Gebrauch davon machen. Sie fertigen praktisch Silhouetten von Figuren an, zahlreiche, ganz viele Miniaturkritzelein bei welchen der Fokus eben auf dem Design und der Wirkung liegt. In imagineFX habe ich auch öfters gesehen, dass viele Concept artists ihre Konzepte mit dieser Silhouettendarstellung beginnen und dann nur noch Details einfügen und bäm ein paar Schritte später - fertige Zeichnung zum ansabbern. Auf youtube schließlich findet man zahlreiche Videos von concept art, gerade wens um Charakterdesign geht, dass die Künstler das Bild ohne Skizze anfertigen.

Wie läuft das Ganze also ab?

Im Prinzip ist die Technik nicht viel anders als mit Skizze und Lines und im Nachhinein kann das auch ordentlich werden, hängt davon ab, wie gut man es säubert und wie präzise die Details ausgearbeitet sind.

Man beginnt das Bild mit einer grauen Masse (greyscale eignet sich dafür am Besten) und malt eine Silhouette von dem was man vorhat, also Mensch, Tier, Kreatur, Haus, Waffe, Baum, whatever.

Am besten man zoomt raus und macht das alles auf einer ganz kleinen Fläche.

Ist zeitsparender und man verfällt nicht wieder in das präzise Ausarbeiten der Details, sondern bleibt bei dem äußeren Ausdruck der Gesamtform.

Wenn man also erstmals einen grauen Fleck gemalt hat, kann man kleinere Details herausarbeiten. Hat man vor eine Rüstung zu malen, kann man in dieser Masse massive Schulterpanzer andeuten, auch wenn man noch gar nicht weiß, ob sie am Ende wirklich diese Form haben werden. Evtl. ja, evtl. nein, das entscheidet man spontan in der Ausarbeitung.

Alle "Details" und Besonderheiten malt man als Masse, als eine einfach, gefüllte Form, einfach hingeschmiert, evtl. siehts ja gut aus. Wenn die beiden Formen also gut zusammen passen, kann man sie schöner in einander übergehen lassen, aus dem schmierigen Andeuten ins präzisere Ausarbeiten übergehen. 

Wenn die Formen doch nicht passen, übermalt man es einfach mit dem Grundton. Das ist eben der Vorteil, den diese Technik bietet: das einfache und immer schnell und schmerzlose Verändern eines Elements, wenns nicht gut genug aussieht oder man kurzfristig eine völlig andere Idee hat.

Denn wenn man erst mal stundenlang ein Bild gelint hat und auf einmal stellt man während der Colo fest, dass einem der Brustpanzer doch nicht gefällt, muss man wieder alles wegradieren, neu skizzieren, wieder linen, wieder einfärben bis man es endlich wieder schattieren kann. Ist doch umständlich? Und es tut sau weh, die Lines, an denen man Stunden saß, wegzuradieren ;___; 

Hier ist das nicht so. Man ist nicht an die Lines gebunden. Jedes Element, jedes Detail kann beliebig oft seine Form verändern, ohne dass es schade ist, es wegzuradieren und ohne das andere Teile vom Gesamtbild verloren gehen. 

Außerdem, wenn man die graue Masse mit Elementen in anderen Grautönen füllt, fungiert das praktisch schon wie eine Schattierung, man muss gar nicht noch mal alles detailliert schattieren, also klar man kann, aber man nur schnell etwas designen will, geht's um die Gesamtwirkung nicht um ein perfekt ausgearbeitetes Bild.

Es ist auch deutlich einfacher, wenn man alles auf einer Ebene macht. Insgesamt benutzt ich meist 2-3, wenn ich kleinere Details einfüge, bei denen ich mir nicht sicher bin, ob diese bleiben und für Elemente, die sich eher im Hintergrund befinden. 

Natürlich kann man auch nachdem man eine Masse definiert hat, Lines einzeichnen. Das ist dann sogar deutlich einfacher, da man praktisch schon die "Fülle" der Lines hat und diese nur noch zur Übersicht ergänzt. 

Ein weiter Tipp: benutzt harte Pinsel. Ohne Druckraft. Man arbeitet überwiegend mit Formen, die weichen Übergänge kommen erst, wenn der Rest stimmt. Und es geht deutlich schneller und einfacher eine Form mit einem harten Pinsel zu malen, da die gesamte Fläche auf Anhieb ohne viel Druckkraft ausgefüllt werden kann.

Fazit:

- diese Technik ist extremst zeitsparend

- Fokus liegt auf der Gesamtwirkung, auf der Silhouette der Figur/ des Gegenstandes

- Elemente können beliebig oft verändert werden, ohne die Gesamtwirkung zu zerstören

In den zwei Videos habe ich ein paar Konzepte für mein Projekt gemacht, in dem ich diese Technik angewendet habe. 

Bei dem Guard beginn ich mit der Dinifniton der Pose bzw. der Masse eines menschlichen Körpers.
Dann ergänz ich kleine Details, wie die Schulterpanzer etc. Mit einem dunkleren Ton werden die Teile innehralb der Figur deffiniert, also die Schutzweste, Schienbeinschoner, Unterarmschoner, Brustpanzer etc. und dann geb ich der Ausarbeitung der Details freien Lauf.

Bei dem Mech (übrigens mein aller erster Mech ever xD) hab ich mir eine Blechbüchse mit hühnerartigen Beinen vorgestellt und zwei Armen, die in einer Art Maschinengewehr enden. 
Einfach rumprobiert, tausendmal Formen verändert und letztendlich auch in kleineren Details vertieft.
Der größte Spaß dabei ist die Definition der Formen und der Verzicht auf absolute Sauberkeit, vor allem am Anfang. Man malt einfach, man schmiert rum, ohne sich an irgendeine Regel zu halten. 

Richtiges Benutzen von Referenzen

Referenzen. Ein ewig heiß umstrittenes Thema bei uns Künstlern.

Also erstens, lasst uns mal den Begriff "Referenz" genauer untersuchen.

Bei einer Referenz handelt es sich meistens um ein Foto, welches ein Künstler benutzt, um sich daran zu orientieren. Auf deviantArt gibt es ganz viele Fotografen, die ihre Fotos zur Verfügung stellen, man nennt es stock-fotos. Sie sind fotografisch nicht unbedingt immer kunstvoll gestaltet, reicht zur Orientierung aber vollkommen aus.

Referenzen können auch fullbody Ansichten von Charakteren sein, die Kleidung und Besonderheiten der Figur klarer darstellen.

Referenzen können auch Sammlung verschiedener Anatomiestudien, von z.b. Händen sein, die ein Künstler anderen zur Orientierung zur Verfügung stellen.
Auf posemaniacs findet man auch unedliche Sammlung von menschlichen Körpern in 3D Ansicht in verschiedenen Posen, die helfen, die Anatomie einer Figur besser darzustellen im Bild.

Referenzen können alles mögliche sein. Wichtig ist nur, diese richtig anzuwenden.

Urheberrechte 

Die meisten Künstler verwenden Fotoreferenzen, um Gegenstände, Faltenwürfe, Farbgebung, Posen oder Schattensetzung korrekt zu zeichnen. 

Jedoch muss man beachten, dass nicht jedes Foto oder Bild als Referenz verwendet werden darf.

Viele Fotografen (oder auch Künstler, man kann seine langersehente Referenz auch in einem gemalten Bild eines anderen Künstlers wiederfinden) - sind damit oftmals nicht einverstanden und möchten nicht, dass ihre Bilder "zeichnerisch" reproduziert werden. Oftmals klatschen sie ihr Foto/ Bild deswegen auch mit Copyrights voll oder erwähnen ausdrücklich in der Beschreibung, dass dies nicht als Referenz fungieren soll.

Ist jedoch nichts derartiges dabei, sollte man den Fotograf oder Künstler fragen, ob man sich an dem Bild orientieren darf. Wichtig, die Betonung liegt auf orientieren, nicht auf abmalen. 

Man kann dies auch natürlich heimlich machen, aber kommt schon irgendwie scheiße, wenn's auffliegt…

Was tumblr Fotos angeht, macht euch die Mühe, das abgespeicherte tumblr Bilder im Google Bilder zu suchen um auf die Originalquelle zu kommen, denn tumblr repostet oftmals Bilder von anderen Künstlern, ohne auf die Quellen zu verweisen.

Anfängertipps 

Viele Anfänger oder auch fortgeschrittene Künstler denken, nur Schwächlinge und Untalentierte benutzen Referenzen, Referenzen seien ein Verweis auf die Unwissenheit des Künstlers und auf sein mangelndes Können. 

Nun merkt euch alle: dieses Denken ist grundsätzlich falsch.

Es gibt keine Künstler die von Anhieb perfekt zeichnen, unabhängig davon ob sie Talent haben oder nicht. Referenzen verwenden ist kein Zwang, den Referenzen ist eine Hilfestellung, von der man auf freiwilliger Basis Gebrauch macht.  Referenzen helfen, Details und ihre konkrete Schattierung oder Form zu zeigen, die der Künstler übernehmen kann, um sein Bild zu verbessern. Ja nicht nur sein Bild, seine gesamte visuelle Wahrnehmung. ( Bei Naturstudien oder Aktzeichnungen verwendet man nämlich auch eine Referenz - die Natur oder den Menschen. ) 

Es ist  deswegen sehr fraglich, wieso es einem peinlich sein sollte, Hilfe in seinen Bildern zu benutzen.

Denn irgendwann kann man dieses eine Element, für welches man lange genug Refs verwendet hatte, auch ganz alleine aus dem Kopf malen. 

Die, die bewusst auf Referenzen verzichten, werden kaum Fortschritte in ihrer künstlerischen Entwicklung machen.

Selbst wenn man dann noch Referenzen verwendet hatte, diese aber nicht angibt, nun ja - arschig ist das. Man möchte sich im besseren Licht darstellen, so tun, als ob die eigene Vorstellungskraft ausgereicht hatte, um dieses Element so realistisch zu malen, aber diese Art von Täuschung ist irgendwie erbärmlich. 

Manchmal hat die Ref nur als Stabilisierung gedient, das gemalte Objekt unterscheidet sich Welten von dem Foto, evtl. ist es dann auch nicht notwenig, es als verwendete Referenz anzugeben, außer man will sher ehrlich rüber kommen...

Deswegen scheut euch nicht, ihr könnt für jedes einzelne Element eures Bildes Referenzen verwenden. Für die richtige Pose, für den richtigen Faltenwurf, die genaue Schattierung und letezndlich für den Hintergrund. Es ist nicht falsch/schlecht, sich an Fotos zu orientieren.
Denn wie sonst will man es jemals lernen?
Wie sonst soll man sich verbessern, wenn man kein Vergleich zur Natur hat?
Wie sonst wird man was neues ausprobieren oder etwas zeichnen, was man vorher nie gezeichnet hat und sich das auch visuell schlecht vorstellen kann?
 Fotos. Naturzeichnungen. Studien.

Man kann ja für ein Objekt mehrere Referenzen verwenden. Es muss am Ende nicht mal 1zu1 mit dem Foto übereinstimmen. Denn Referenzen dienen nicht nur zur Orientierung, sondern manchmal auch einfach nur um sicher zu gehen, als Stabilisierung, dass man zeichnerisch auf dem richtigen Weg/ Linie ist.

Beispielsweise verwende ich oft Bilder von Frauen, obwohl ich einen Mann zeichne... nur um sicher zu gehen, dass die Pose authentisch rüber kommt bzw. stabil wirkt.
 

Do & Don't

Referenzen dienen 

primär: zur Hilfestellung/ Orientierung

sekundär: zum lernen.

Ja, von Referenzen sollte man lernen. Man sollte nicht dumpf abmalen abschalten, man muss lernen. Man muss verstehen, wieso der Schatten an dieser Stelle ist. Weshalb an dieser Stelle Licht kommt usw. 

Denn man will ja schließlich nicht ewig von Referenzen abhängig sein, sondern dies irgendwann auch frei Hand aus dem Kopf hinbekommen. Darum ist es ganz sinnvoll, die Referenz zu "studieren" während man sie malt.

Ein absolutes No-Go ist Abpausen.
Also ja, das verbietet einem natürlich keiner, soll man halts abpausen, wenn mans eben nicht besser kann..

Abpausen heißt Ref nehmen, im Programm öffnen, Sichtbarkeit runterfahren und die Konturen abmalen.

Also dazu kann man eigentlich nur sagen: ist das noch Kunst oder kann das weg?

Das ist kein Referenz verwenden, das ist Referenz missbrauchen. Daraus lernt man kaum etwas - okay eigentlich gar nichts. Und es sollte einem auch am Ego kratzen, dass dieses Bild kaum durch eigene künstlerische Leistung geschaffen wurde….
Naja, soll jeder so malen wie er bock hat. Gutes Gelingen.

Abmalen/ Abpausen/ Orientieren  … what?

Tja, wie verwendet man eine Referenz denn nun richtig?

Die beste Methode ist natürlich, man öffnet sie neben seiner Zeichnung, stellt evtl. auf Graustufen, um die Kontraste besser zu sehen oder im Gegenteil intensiviert die Farben, um die Übergänge besser sehen zu können. Man muss sich das Objekt lange anschauen und versuchen es zu übertragen, je nach dem was man braucht, die Form, Farbe oder Schattierung oder Pose, falls es sich um eine Figur handelt.

Abpausen (oben beschrieben), ausschneiden, einfügen, drüber malen - all das kann euer Bild zwar verbessern, aber eure künstlerischen Fähigkeiten nicht unbedingt.

Künstler, die hyperrealistisch malen, werden mehr oder weniger eine Kopie der Referenz anfertigen, jedoch kommt es deutlich cooler rüber, wenn das Gemalte zwar ähnlich, aber nicht identisch mit dem Originalfoto sind. Eventuell hängt es sowohl vom Geschmack als auch von der eigenen Arbeitsweise ab, aber damit will ich nur sagen, dass man keine gemalte Kopie der Referenz anfertigen muss. 

Deswegen bietet es sich an, auch einfach so oftmals ein Foto "abzumalen" - eine Studie zu machen - ohne an dem Inhalt, Form oder Farbe etwas zu ändern, aber einfach das Foto zu nehmen, um es genauer zu studieren, sich die Form anzueignen und später selbst eigenständig zu reproduzieren. 

Und je öfter man das macht und gedanklich bei der Sache dabei ist, desto besser wird eure Vorstellungskraft. Die Formen prägen sich ein und eines Tages werdet ihr sie auch ganz ohne Referenz malen können. 

How to improve in art - 6 Schritte zur Verbesserung

Jeder von uns kennt diese Gefühle. 

Maaaaan dieser Künstler ist soooo fuckin gut, wieso kann der so toll zeichen, ich werde das nie so können!

Alles was ich zeichne sieht eh immer kake aus.

ich hab so eine gute Idee, aber um das umzusetzen fehlen mir die skills orz

Oder es kommt einem so vor, als ob man auf der Stelle stehen bleibt. Die Bilder , die man vor zwei Jahren gemalt hat, sehen fast genauso aus wie die jetzigen und es kommt dazu, dass man allmählich die Motivation verliert. 

Zeichnen ist eben ein ewiger Lernprozess, man lernt immer etwas neues dazu. 

Man muss sich nur dazu anspornen, etwas Neues zu lernen und nicht immer nur das zu zeichnen, was Spaß macht, nur weil es einfach ist und man sonst nichts anderes kann.

Beim Zeichnen lernt man sein lebenslang, einige aktiver als andere, aber im Prinzip gibt es ein paar ganz einfache Tipps, wie man seine skills verbessern kann.

Schritt 1: realistische Zielsetzung 

Zunächst braucht man ein Ziel, welches man erreichen will. Dafür reicht es aus, sich seine Bilder anzuschauen und herauszufinden, was einem am meisten nicht gefällt. Ist es die Anatomie, immer starr und unproportional wirkt? Ist es die Schattierung, immer unplastisch und uninteressant? Ist es das Gesicht, immer schief und verzerrt? Oder sind es die Hintergründe, immer irgendein Foto oder Farbverlauf? Setzt euch ein Ziel: Anatomieverbesserung! Schattierung! Gesichter! Hintergründe! etc. was immer ihr verbessern möchtet.

Schritt 2: Theorie.

Wenn man mal in professionelle Künstleranatomie reinschaut, sieht es schon fast aus wie ein Medizinfachbuch für Chirurgie. 

Man fragt sich, wieso man den Skelettaufbau kennen muss, und wie viele Muskeln und Sehnen daran anheften, aber dieses Wissen ist notwendig, um zu erkennen, was die Welt im Innersten zusammenhält, bzw. den menschlichen Körper. Denn wenn man weiß wie viele 'wichtige' Muskeln sich in einem Arm befinden, fällt es einem leichter, diese unter der Haut zu "spüren", wenn man einen Arm zeichnet. Die Arme werden nicht mehr aus zwei Strichen bestehen, sondern gewölbte Linien haben, um den Bizeps und Trizeps anzudeuten, auch wenn euer Charakter weiblich oder untrainiert ist, sogar diese Körperformen haben diese Muskeln. 

Hintergründe, Gesichtsanatomie und Schattierung haben ebenfalls ihre eigene trockene Theorie. So würde es nicht schaden, wenn man sich Perspektive anschaut und deren Aufbau versteht, genauso wie Farb- und Luftperspektive, das heißt, alles was vorne ist, sieht man deutlich und farbig, nach hinten werden die Gebäude immer heller und verschwommener. 

Man muss sich diese Theorie einfach reinziehen, paar mal selbst ausprobieren, um sich somit gewisse basics anzueignen.

Abermillionen Tutorials findet man auf devinatart, tumblr, pixiv und manchmal auch auf facebook. Oder man kauft sich entsprechende Künstlerbücher. 

Schritt 3: Studien. 

Das mag öde klingen, aber Studien ist das einzig wahre Hilfsmittel. Foto nehmen, auf Besonderheiten achten, abmalen. Und mit abmalen meine ich nicht abpausen, sondern, man öffnet es in seinem Zeichenprogramm (bzw. Vorschau oder man druckt es aus oder sonst wie, falls man traditional malt) öffnet ein neues Dokument daneben und malt es ab. Stilleben-style. 

Möchte man nur die Form studieren, malt man die Form ab. Möchte man die Schattierung verstehen, malt man es in Farbe oder greyscale. Es geht dabei nicht, sich besonders nah an das Foto zu achten und eine gemalte Kopie hervorbringen, es geht darum, dass man durch den Abmalprozess das Theoriewissen, gestützt auf das Foto, praktisch anwendet. 

Übt ihr Menschenanatomie, nimmt ihr euch am besten einen durchtrainierten hottie und malt ihn ab.

Für Hintergründe genügt auch der Blick aus dem Fenster. Die Bilder müssen nicht gut sein, die müssen nicht lange dauern, es geht darum, dass ihr euch die Formen bzw. Farbgebung so einprägt und zeichnen übt, dass ihr sie irgendwann auch ohne Referenzen reproduzieren könnt.

Schritt 4: Lernen von den Großen

Jeder von uns hat seine künstlerischen Vorbilder, die Anatomie besser als fotoecht darstellen, epische Hintergründe malen usw. 

Zoomt an ihre Bilder ran, analysiert ihre Techniken. Was gefällt euch an diesem Bild am meisten, was zeiht euch am meisten an? Was macht der Künstler, dass er euch zum sabbern bringt? Ist es die Farbgebung? Ist es die stylieiserte Anatomie? Sind es diese rötlichen Stellen im Gesicht? Was immer euch daran fasziniert, macht davon eine Studie! Wirklich ratsam ist es nicht, die Bilder abzuspeichern und es 1zu1 abzumalen… versucht es aus dem Kopf heraus zu reproduzieren. Malt das gleiche, nur in eurem eigenen Stil, denn es geht um die Stilverbesserung, nicht um die reine Kopie des Bildes des Künstler, darauf hat mein kein Recht. 

Wenn man Glück hat, hat euer Lieblingskünstler evtl. mal Tutorials gemacht oder Zwischenschritte gepostet. Analysieren, studieren, verstehen, abmalen, aber nicht kopieren!! 

Evtl. könnt ihr die Künstler auch anschreiben und sie nach der Technik oder Tipps fragen, aber es gibt selten Künstler, die auf solche Fragen positiv reagieren, da die meisten entweder tonnenweise solche Briefe bekommen oder einfach ihre Betriebsgeheimnisse nicht ausplaudern wollen. 

Schritt 5: feedback und Kritik 

Im Internet trauen sich meistens die wenigsten unter euer Bild zu kommentieren, dass die Anatomie futsch ist. Und wenn ihr doch mal konstruktive Kritik erhalten habt, gerade von Künstlern, die besser sind als ihr, weiß man oft nicht, wie man diese umsetzen kann. 

Man kann wieder versuchen, gute Künstler um Hilfe zu bitten, aber wie gesagt, da sind meist nicht alle hilfsbereit. 

Pures Glück ist, wenn man natürlich Künstlerfreunde hat, die einem helfen.

Ich hab zu diesen Glückspilzen gezählt. Meine beste Künstlerfreundin war ca. auf dem gleichen Zeichen Niveau wie ich, wir haben uns immer gegenseitig gepusht und uns allmählich immer verbessert. Wir haben usn gegenseitig Zwischenschritte geschickt und manchmal auch ganz direkt gesagt, wenn etwas absolut off aussah. Wenn man Kritik von jemandem erhält, der genauso oder sogar besser als man selbst ist, eine Person, der man vertrauen kann, fördert es den Lernprozess extremst. 

Redlines sind auch eine super Sache, da der andere dem Künstler die Fehler zeigt, die man selbst übersieht. 

Schritt 6: Oft zeichnen.

wenn man sich verbessern will, muss man das täglich tun. Das gilt nicht nur fürs zeichnen, sondern für jeden Lernprozess. Jeden Tag zeichnen, jeden tag Studien machen. Das müssen keine großen Werke sein, kurze kleine Skizzen, für euch selbst. 

Langweiliger Unterricht bietet sich zB ganz gut an. Nur statt Kritzeleien an den Heft Rand zu zeichnen, zeichnet doch einfach eure Mitschüler! Und zwar nicht porträtähnlich, sondern nur ihren Arm, um den Faltenwurf ihres Pullis zu verstehen. Oder macht Beinstudien von Leuten, die vorne stehen und Referate halten -> Faltenwurf Hose und Schuhübungen. Sogar solche Kleinigkeiten fördern den Lernprozess. Und wenn ihr irgendwann zuhause mal wieder Kleidung für euren Charakter malt, da gehen die Falten ganz automatisch, auch ganz ohne Referenz. 

Und vergesst nicht!

Lernen und Verbessern ist ein langanhaltender Prozess. Das geschieht nicht von heut auf morgen, sondern allmählich, von Bild zu Bild. Und wenn ihr nach einem Jahr ein improvment-meme macht, werdet ihr euren Erfolg garantiert bewundern können!